Una excelente impresión, nos llevamos los asistentes a la presentación de Alfonso Espriella. Una descarga rockera que llenó todo el sonido del Escenario Lago, en compañía de chelos, dos guitarras, bajo y batería.
Una impecable demostración de talento y técnica nos mostraron sus integrantes, guitarras cargadas de rock, baterías fuertes, un toque innovador con el chelo sumado a la honestidad en la ejecución y en las composiciones de Alfonso Espriella. Una buena puesta en escena que puso a vibrar en buena onda a las personas que tuvieron el placer de escucharlos. Fue una presentación llena de honestidad, corazón y muchísimo rock and roll.
Se dio la invitación a tarima de Amos Piñeros de la agrupación Ultrágeno que se unió a Alfonso para cantar “Agujeros negros” y con esto pusieron a brincar a todo el público asistente, el que fue aumentando a medida que corría el show.
Alfonso Espriella (Voz, Guitarra, Piano) estuvo acompañado por talentosos artistas de gran recorrido musical como Juan Diego Amaya (guitarra), Juan josé Salazar (guitarra), Orlando Donado (batería), Sandra Parra (chelo) y Santiago Mejía (bajo)-
Con “Emergencia” termina la presentación Alfonso Espriella, quien realiza la composición, producción y ejecución de un buen trabajo musical y que para la versión número 15 de Rock al Parque, nos entrego una muestra de su nuevo álbum “Trazos de ser”.
Este es el setlist presentado en la tarde del domingo:
Compacta y precisa, estas son las palabras perfectas para definir la maravillosa fusión que presenta la agrupación bogotana La Planta, que si bien suenan muy bien en estudio, en vivo lo superan.
Ejecuciones limpias y con muchísima fuerza demuestran la experiencia y el talento de sus integrantes. Percusiones caribeñas, vientos de jazz, una guitarra que pone un toque rockero, teclados que le dan la onda electrónica, batería talentosamente ejecutada por un experto y el bajo, muy fuerte y marcado que le da bases sólidas a esta maravillosa agrupación. El vocalista además de complementar perfectamente esta fusión, tiene carisma, generado así una mayor aceptación entre el público.
La Planta, es una agrupación bogotana que presenta la comunión de varios músicos de gran trayectoria y que nace de su experiencia de colectivos musicales y de toques por la escena musical local e internacional, recogiendo de sus experiencias piezas que integran ritmos como el jazz, salsa, funk, rock y folclor en una fusión que denominan electrolatinfunk.
Como punto de partida para una nueva etapa de sus carreras, Juan Manuel Coral en la voz, Paul Rodríguez en el bajo, Carlos Cañón en la guitarra, Richard Muñoz en el piano, Alex Martínez en la percusión y Mauricio Montenegro en la batería y loops, se unen para presentar una innovadora propuesta que ha tenido una gran acogida y reconocimiento desde que lanzaran su álbum “Venga y pruebe” en junio del 2008 con el sello ENTRECASA que además se distribuye digitalmente a nivel mundial.
Para la edición 15 del festival Rock al Parque 2009, La Planta realizó su presentación mostrando un formato más funky y rockero. Para enriquecer esta propuesta funky contaron con la participación de una cuerda de vientos compuesta por Plutarco Guio en el saxo tenor, Sebastián Cifuentes en el trombón y Juan Sebastián Atehortua en la trompeta.
El público capitalino y foráneo se dejó conquistar por estos sonidos que muestran el nivel y experiencia de sus ejecutores y se recordó el folclor con dos buenos arreglos de canciones como “Fiesta en Corralejas” y “La Guaneña”.
Su propuesta musical es demasiado arriesgada, pues es muy difícil integrar tantos elementos, tan diversos y que se conjuguen tan bien, estado que logro La Planta, pero este riesgo no los dejó olvidarse de la alegría que implica asistir a un festival y por eso su música estuvo llena de descarga y lista para que su público bailara con sus bits electrónicos y con el sabor caribeño.
Demasiados osados resultaron los chicos de E-Multicolor, al arriesgarse a tener su primera presentación al lado de reconocidas bandas de la ciudad de Bogotá, en el evento realizado por Bogotá Ciudad Rock con Los Poetas ácidos, La Killer Band y Bullet, en la noche del pasado sábado en BBar.
Comenzó el show y no sabía que esperar, pues la verdad nunca había escuchado nada de estos chicos. Un inicio fuerte que llenaba el sonido con todos los instrumentos y los acordes de White Room de Cream llamaron inmediatamente mi atención, aunque la sorpresa no duró mucho tiempo, pues cuando su vocalista/guitarrista comenzó a cantar, noté que por cumplir las dos labores, la voz se perdía y con ella el hilo conductor de la canción. Es innegable que son talentosos en sus instrumentos, eso demostrado por uno que otro solo muy bien ejecutado. Luego una canción propia en español llamada Vientos, me dejaba ver cual era su propuesta denominada por la banda como ‘Rock Cromático’ (?) debido a su propuesta visual que lastimosamente no pudimos apreciar, una canción con muchos brillos en la batería.
A continuación un cover de Pearl Jam, Black, me devolvió de nuevo la idea a la cabeza de que había un problema con la voz, pues aunque Nicólas Botero (compositor de las canciones y vocalista) tiene buena actitud de frontman, al tratar de encontrar el color de voz de Eddie Vedder, se sentía forzado y poco natural.
Hasta el momento percibía a la banda en un 80% del tiempo ajustada y coherente. Es innegable que son buenos músicos, Santiago Hernández en los teclados y con samplers desde su laptop, Felípe Cárdenas con una buena línea de Bajo y Luis Carrillo en la batería, mostraban que tenían un buen tiempo de recorrido en la música y que tal vez el 20% faltante para sonar compactos, era cuestión de tiempo y práctica.
Para continuar, Signos de Soda Stereo y con ésta, el desafío se hizo más grande, pues ya no tenía idea de que género tocaba la banda. Es muy importante para un grupo en nacimiento, definir su línea, marcar el sonido por el cual serán reconocidos y darlo a conocer a su público, y si se han de tocar covers, elegir covers que lleven una continuidad acorde con el género de las canciones propias.
Muy marcado en su propuesta el uso de efectos de instrumentos y digitales, pero se debe tener medida con esto, a menos que sea una banda experimental. (¿Sería esta la situación?).
Debo confesar que me perdí las últimas dos canciones llamadas Obsesivitis y E Multicolor.
Y después de leer esto, ustedes se preguntarán entonces el porque de esta reseña.
Simple, así comienzan las grandes bandas y como ésta, muchas bandas que están empezando en este difícil mundo de la música en Colombia tienen que buscarse su espacio, guerrearlo con infinidad de bandas más que hay en la ciudad y el país, sin miedo a la respuesta del público. Esto amigos míos, es lo que nos saca de la mediocridad y el conformismo y le permite a la banda mejorar y al público tener puntos de comparación.
Hay que crear, probarse, armar público, tocar, tocar y tocar. Así se adquiere la zona de confort en un escenario, así pueden conocer y guiar al que será su público renuente y así se inunda la ciudad de música, tolerancia y cultura.
Vaticino buenas cosas para esta banda, pues tienen lo más importante además del talento: la actitud.
Para terminar quiero celebrar propuestas como las de Bogotá Ciudad Rock y Rock al Parque con sus circuitos de bares, pues es importante como ciudad y país, reconstruir y fortalecer estos espacios y darles continuidad en el tiempo.
Proceso de internacionalización musical: Una marca a través del artista.
Rock al parque también habla, y comienza su discurso en la voz de Fernán Martínez, uno de los pioneros en la industria de management en Colombia, promotor de carreras tan visibles como las de Julio Iglesias y Juanes entre otros. Este hombre de carácter fuerte pero de trato amable y buen humor, dio inicio al ciclo de foros y a la programación académica realizada en el marco de la 15a edición del Festival Rock al Parque. A su lado, una figura joven pero que ya goza de un gran reconocimiento en este medio: Roberto Andrade Dirak.
Todo se rige bajo la teoría de las percepciones, “al artista que no le importe lo que piensan de él, está en el negocio equivocado”, dice Fernán Martínez al consolidar la idea de que en esta industria, cada artista se debe formar una imagen que lo identifique, con las bases de ser una imagen innovadora, diferente, única, apropiarse de ella y entrar al mercado con ésta imagen consolidada. “Si tu no creas tu percepción, la percepción te creará a ti” añade Martínez.
Queda claro a partir de la experiencia de uno de los más grandes manager de latinoamérica, que en el medio artístico se debe definir al artista como un producto y tener muy clara una visión empresarial para manejar su desarrollo y su evolución. Es entonces cuando llegan tres preguntas básicas que Fernán invita a que el artista se plantee y así poder definir el proceso a seguir: “Cual es el factor diferenciador en lo que hago?, cual es mi target (a que público quiero que llegue mi música)?, Cual es mi nivel de compromiso con el manager, el proceso y todo lo que este requiere?”, después de tener claras las respuestas a estas preguntas y colocarlas como parámetro, el artista que quiera promocionar su trabajo, o el que quiere incursionar en un mercado, tendrá unas bases sólidas para llevar a cabo este proceso.
Para Martínez en Colombia el género que predomina es el Rock. Sus cálculos estiman que en la ciudad de Bogotá existen al menos 800 agrupaciones y Medellín cuanta con otras 500. No obstante, esta perspectiva es discutible, si bien pueden existir muchas propuestas, tan solo las orientadas a ritmos tropicales y pop generan regalías considerables. “Depende del artista provocar e innovar para poder surgir ya sea de forma independiente o por medio de un manager, Si bien este ultimo formula sugerencias, guía y abre puertas, a la postre no hace al artista. El artista crea su carácter y plantea sus metas y objetivos”. El empresario agregó que “en ciertas ocasiones el manager tiene el papel de ser el máximo jefe, aun así consideremos que el músico lidera esta negociación, por lo tanto, se hace conveniente enfatizar que los problemas de ego y responsabilidades no deben resultar un inconveniente para la alcanzar las metas propuestas” concluye.
En cuanto al manejo de agrupaciones en Colombia, el asunto es un poco complicado, pues se tiende a la autogestión desde los músicos de cada grupo, ya sea por cuestiones económicas (porque las bandas no tienen la calidad que les de la rentabilidad para financiar un manager), por desconocimiento (no tienen los contactos con el medio empresarial o la visión de que es necesario) o simplemente por decisión propia y por eso es de gran relevancia el trabajo que hacen unos cuantos manager en Colombia, y más aun la nueva escuela, por ejemplo, Roberto Andrade Dirak moderador de este panel y manager de agrupaciones con alto reconocimiento en nuestro país como The Mills y Mirage que en unos pocos meses ha llevado a que estas bandas encuentren su evolución y se posicionen en el mercado nacional e internacional.
El éxito de la relación entre una artista y su manager se da por la confianza que se maneje entre ellos, un artista no debe actuar como un barco a la deriva, es por esto mismo que un artista deposita su parte administrativa en su manager, es decir, zapatero a tus zapatos, el artista hace música, se debe dedicar entonces a practicar, a componer y a hacerlo bien, el manager vende, se debe dedicar entonces a hacer empresa. Por esto mismo es que a veces la relación entre productores y manager es casi nula, como específicamente hablando de Fernán Martínez y el equipo de producción de Juanes. Cada uno se dedica a su especialidad y así debe ser para que los procesos fluyan y se mejore la calidad.
Es así como entre bromas y anécdotas que hicieron muy grato este foro, Fernán Martínez y Roberto Andrade Dirak, dejan algo claro para el medio en Colombia: hay mucho potencial musical y artístico en el país, y para competir se debe pensar en universalidad desde lo local, comenzar paso a paso buscando un ente diferenciador y teniendo una meta clara, ya sea llegar con tu música a mil personas o millones de ellas y si es la segunda recordar que el mensaje es el medio y que se debe hacer hincapié en la comunicación y en como el artista provee la percepción que se tiene de él de una forma masiva
Con una excelente producción, un sonido impecable y la asistencia aproximada de casi 8000 personas durante el fin de semana, culminó el domingo 16 de agosto Manizales Grita Rock, la cuarta versión del más grande festival gratuito del suroccidente colombiano, que se realiza año tras año en uno de los lugares turisticos mas importantes de la ciudad, el Ecoparque Los Yarumos, que incluyó diferentes géneros, desde blues y reggae hasta death metal pasando por hard core, algo de industrial y punk. Este año en el marco del festival, se realizaron eventos académicos como conversatorios, seminarios y talleres teórico-prácticos que involucraron a músicos y a personajes relacionados con esta industria en la región.
Quiero comenzar esta historia agradeciendo al equipo de producción del festival no solo por su excelente trato con todos los asistentes e invitados, sino por hacer posible con gran esfuerzo, con trabajo honesto y de corazón, que nuestra ciudad tenga un espacio como este, donde todos los ciudadanos se sienten incluidos, donde año tras año el evento da paso a que los estigmas que trae consigo una ciudad un poco “costumbrista” (por no decir mojigata) desaparezcan y ya no sea extraño ver al “peludo” o al “punketo” disfrutar de la libre expresión de su personalidad. El compromiso del staff fue increìble y eso se notó en los resultados obtenidos.
La nueva música, y los nuevos grupos que he escuchado de mi región, el interés de los jóvenes, los nuevos talentos y los veteranos, y en especial este festival, me lleva a mostrar con orgullo mi ciudad al mundo y me permite decir: Esta es mi ciudad, Manizales, con las montañas mas lindas de donde proviene el mejor aguardiente del mundo, con los mejores atardeceres que te hinchan el corazón y repleta de gente cordial que respira rock en cada esquina.
Ahora si, dando paso a la historia que compete acá, todo comienza así:
DIA 1.
Mi llegada al Ecoparque fue sobre las 2:30 p.m. Con tres anillos de seguridad, lo que de entrada daba tranquilidad, llegué justo al final de la agrupación Látex. Cuatro manizaleños que habían ganado su cupo en las previas eliminatorias, me indicaban que con ellos también me había perdido del grupo de apertura llamado Circe, pero quiero hacer la invitación a que ustedes me cuenten un poco como estuvo la presentación de las bandas que no encuentren en esta historia.
Luego vino una banda que me sorprendió, desde Armenia, llegó La Psiko y aunque me daba para pensar que iban a tocar algo diferente, quedé gratamente sorprendida con un buen rock, un guitarrista que le ponía buenos riffs a la tarde y un vocalista con mucha fuerza. Buena banda con buena puesta en escena. Llega Elliot’s Happiest days la cuota bluesera del festival, esta banda cuenta con un recorrido por varios festivales nacionales tan importantes como el festival de Blues y Jazz de La Libélula Dorada en Bogotá y lo demostró con su confianza en el escenario. Y aunque podría llamarse “blues” esta banda tiene algo que me gusta mucho y es como pueden hacer una buena mezcla de sonidos progresivos y transportarnos por ondas con un poco de psicodelia. Es toda una experiencia ver a esta banda con sus flautas y armónicas, quienes seguramente tiene muchos matices más por explorar.
Ya entrada la tarde, comenzó a llegar mas público y eso solo indicaba algo, que el grupo que venía iba a prender la fiesta, y así fue. La Pata Records, grupo de la ciudad con músicos del conservatorio de Bellas Artes, con dub, reggae, y hasta cumbia calentaron al público interpretando canciones de su trabajo Raíces y con algunos covers como Siguiendo La Luna de Fabulosos Cadillacs.
Por un momento, la fiesta le dio paso a un muy buen rock con algunas voces que insinuaban algo de metal. Era Antípoda en escena, quienes fueron teloneros de la banda Opeth en el pasado mes de Abril. Es una banda que comenzó hace unos años con un sonido mas thrash, ahora, después de encontrar el punto de equilibrio entre el rock y el metal, se siente una banda compacta. Un punch de batería sólido, muchos matices en la voz y buenos riffs de guitarra y bajo, fueron la receta para que Antípoda la “sacara del Ecoparque”. El público preguntaba: “Quién es ese man que sube como Chris Cornell?”, y esto hizo que la atención de los asistentes al festival que se encontraran en el mall o la plazoleta se centrara en la tarima. Con la presentación de “Beyond” primer single de su álbum “Manifesto”, queda claro porque Daniel Bergstrand, productor de grandes bandas de talla internacional como Meshuggah, In Flames, Strapping Young Lad, Soilwork y Dark Funeral, no dudó en producir este tema. Una excelente presentación, recomendada sin lugar a dudas.
Faltaban dos agrupaciones y todos estaban a la espera de continuar la fiesta y llegó La Planta, con una propuesta nueva para el festival, que se salía de las expectativas de muchos. Con un innovador género denominado electrolatinfunk, La Planta entregó todo su sabor con una muy buena cuerda de vientos y la percusión que inundaba de alegría y ritmo el escenario Los Vientos. Esta agrupación bogotana cuenta en su titular con excelentes músicos, dos de los cuales son de la ciudad de Manizales y estaban felices de tocar en su tierra para un evento de esta magnitud. Después de su excelente presentación en Rock al Parque esta agrupación llegó a Manizales y entregó un buen show que dejó a todos con ganas de seguir la fiesta. Despidiéndose con La karimañola, La fiesta en corraleja y La rockera, dieron paso a Providencia, grupo antioqueño esperado por todos los seguidores de estos ritmos tranquilos. Con las canciones de su disco “Radio Candela” como Tres Palabras y una versión de Calle Luna Calle Sol de Héctor Lavoe, pusieron una buena onda de reggae con matices de Dub, rocksteady, socca, y ska. Y así termina el primer día de festival, todo el mundo tranquilo y contento a seguir la fiesta en una fría noche Manizaleña.
DIA 2.
Para el segundo día mi cita con el festival comenzó sobre las 3 p.m., con una tarde que prometía un buen clima y muchas crestas. A esta hora ya se habían presentado, Amnezia y Casi Muertos agrupaciones de punk de la ciudad, que se ganaron el cupo en el festival por medio de las eliminatorias. Llegué para escuchar un poco del punk que traían los Bombillos Peludos desde Cartago. A esta agrupación con más de 10 años de trayectoria se le siente ese toque fiestero de Ramones y se insinúan ciertos riffs y solos de guitarra bastante rockeros. Una banda muy entretenida para comenzar la tarde.
Desde Medellín y con casi doce años de experiencia llega Escepticos. Con toques fuertes de batería y riffs de guitarra muy marcados, mostraron toda su experiencia, la que han conseguido tocando con las bandas de punk más importantes del país a través de los años y ratificando su presencia en la escena independiente del punk antioqueño.
Continúa la presentación de Maniatikatz, desde Bogotá, tres niñas en bajo, guitarra y voz, acompañadas de un baterista. Esta agrupación nació como una banda de rock, pero con los años surgieron ideas contestatarias en sus integrantes, que crearon el interés de demostrarlo por medio del punk rock. Este es un grupo que no entra dentro de los esquemas del punk tradicional, pero como ellos mismos dicen, lo que les importa es tocar su música y no estar bajo ningún estigma social. Fue muy bueno el recibimiento del público el cual no dudo en poguearse la presentación hasta el final.
Sigue la jornada y se une al evento una de las bandas con mas trayectoria en el punk, Dexkoncierto, quienes en sus inicios hicieron parte de una de las bandas sonoras mas recordadas del cine colombiano, Rodrigo D no futuro, con la canción Futuro es Muerte. Una buena presentación, recordando lo mas puro del punk nacional, su vocalista, “Volketo”, hacía honor a su nombre, pero al coger el micrófono entregaba toda la fuerza y honestidad que éste género pueda brindar. El público se alzó en un pogo gigante y muchas personas incluyéndome no pudimos evitar sentir ganas de unirnos a éste. Obviamente, al final, yo no lo hice.
Llegó el atardecer, un atardecer espectacular de esos que solo ocurren en Manizales y de lejos se escuchaban samplers lo que creó expectativa entre los asistentes, estos samplers le daban comienzo a la presentación de Notoken, primera banda internacional en presentarse en esta versión del festival que llegaba desde Guayaquil (Ecuador). Con una muestra de buen punk¬-hardcore entregó un show increíble, llena de energía, con el público coreando todas sus canciones como en Niños de la calle, en medio de un pogo que daba por sentado que esta banda era muy conocida y querida en la ciudad.
Y en este punto de la noche, puedo decir que el día dos del festival era un éxito, con casi 3000 personas a la espera de la siguiente banda, el ambiente se sentía festivo, tranquilo, algo que muchos pensarían no podría suceder en un concierto de punk, pero así fue. Luego de una espera de 20 minutos mientras se daban los últimos detalles para que todo sonara perfecto, subió al escenario Nadie, agrupación que tiene sus raíces en Medellín, pero ahora con sus integrantes radicados en Bogotá. Este año se han presentado en casi todos los festivales de Colombia. Estos tres personajes dieron la explosividad por seis, mostraron una banda compacta y poderosa, un baterista exacto y fuerte que apoyaba a la vocal en algunas canciones, el vocalista que a su vez estaba encargado de la guitarra entrego unos riffs certeros, pero debo destacar el trabajo del bajista, pues además de demostrar su talento en el bajo se robó los aplausos del público con su carisma y su papel de frontman. Con la presentación de temas de su nuevo trabajo “Monólogos de un perro con bozal” esta banda mostró su evolución con sonidos hardcore y rockeros sin abandonar su esencia irreverente. Larga vida a Nadie, una de mis favoritas del festival.
Mientras los asistentes buscaban el mejor lugar para no perderse detalle alguno, un telón negro se elevó ocultando el escenario, esto anunciaba la llegada de la agrupación más esperada del cartel de Manizales Grita Rock 2009, La Pestilencia. La banda se formaba tras el telón que minutos después cayó y nos dejó recibir una vez mas, el recorrido por 20 años de trabajo, de esfuerzo y de mucha evolución. La banda reside desde hace unos años en Estados Unidos, pero juegan de locales, son de la casa, y que mejor para celebrar sus 20 años, que con la familia? Con La Pestilencia no hay lugar a dudas, se va a la fija. Un show que abarcó toda su discografía con canciones desde el álbum La muerte...un compromiso de todos de 1989 hasta el álbum Productos Desaparecidos de 2005. Canciones como Anuncia tu muerte, Pacifista, Olé y Sicarios mostraron una banda que aunque ha evolucionado enormemente en su producción, tiene algo que le falta a muchas bandas que salen del país: la honestidad, la calidez y la humildad que nunca los ha abandonado y que dan tantos años de entregarse a sus ideales y a su país que tanto critican y aman. Si no lo pudieron ver, no duden en buscar una de las fechas que queda del tour en el país. Se presentaron en casi todos los festivales del país, le abrieron a Metallica, tocaron en Rock al Parque con Molotov, ANIMAL y Ángeles del Infierno, estuvieron de gira con Sepultura, tocaron con todas las bandas que fueron alguien en el país durante los noventas… personalmente opino que La Pestilencia es un patrimonio nacional, felicitaciones por ese buen toque y que vengan otros 20 años de mas hard core!
DIA 3.
Un día frío y pasado por la lluvia no impidió que más de 2500 personas asistieran al día de cierre del festival Manizales Grita Rock 2009. Era el día de metal, como es conocido por los fieles asistentes al evento, y aunque yo no pude llegar hasta entrada la tarde, mencionaré a las bandas que tocaron este día antes de mi llegada. Abrieron Arkhan y Per Mortem de la ciudad de Manizales, representantes de la magnífica labor que hacen las casas de la cultura de los diferentes sectores de la ciudad. Les siguió Mechanical de Medellín, esta era una de las bandas que quería escuchar, según una buena fuente estuvo genial la presentación con un industrial muy bien hecho. Desde Armenia llega Evil Darkness, esta agrupación cuenta con cuatro años de experiencia y dos discos de Death Metal.
Llegué al lugar en el momento en el que Thunderblast comenzaba su presentación. Esta agrupación de metal bogotana, ha sido parte de varios festivales del país y el año pasado tuvieron la oportunidad de compartir tarima con Carcass y Paradise Lost en el festival Rock al Parque y esa misma semana telonear para Judas Priest en Bogotá. Con una completa muestra de sus trabajos When the zombies rise y Warzone, pusieron a la gente a mover las cabezas, fiesta a la que me uní cuando hicieron un cover de Symphony of Destruction de Megadeth y Damage Inc de Metallica. Esta banda estará como opening act de Vision Divine en Octubre y de Dragonforce en noviembre de este año.
Entrada la tarde y con lluvia aún, sube al escenario Athanator de Medellín, esta banda tiene un recorrido de casi 20 años en el mundo del metal y tiene dos discos prensados, para septiembre de 2009 se espera el tercero que se llamará Architect of Disaster. Una presentación con muchísimo poder que fue muy bien recibida por el público. Con canciones como Army of death o The smile of the death prendieron el espíritu metalero de los asistentes. Unos muy buenos punteos y solos ofreció el guitarrista, pero sin duda los aplausos se los llevó la solida ejecución del bajo. Continuaba la onda de hacer covers de Metallica y Athanator puso su cuota con Seek and destroy. Esta banda le abrirá para su gira en el mes de octubre en Colombia a una de sus influencias: Onslaught.
Ahora les contaré de la banda que para mí se lleva los méritos de lo que pude ver en este día. Desde Venezuela, Krueger. Subieron al escenario y comenzaron el show, y después de unos minutos introductorios apareció el vocalista, vestido hasta la cabeza de cuero y puntudos taches, dando la impresión de que algo extremo iba a pasar. Y así fue, asombrosa la ejecución de instrumentos, un talentoso guitarrista y unas letras repugnantemente divertidas, que eran explicadas con un acento venezolano que desaparecía por causa de fuertes guturales cuando comenzaba a cantar. Considero que el show además de los talentosos músicos estuvo en las manos del ingeniero de sonido del grupo, quién pudo llenar el espacio completamente y tomar toda esa potencia del buen montaje que ofreció el festival, para hacer sonar compacta y maravillosamente a la banda. Este es un excelente grupo con demasiado carisma y al cual espero tener la oportunidad de volver a ver. Del tercer día, éste es mi recomendado.
Y para cerrar el festival, otra banda internacional. Aunque días antes del festival se había anunciado la presentación de Sothis, agrupación norteamericana de Black Metal, esta banda no se presentó por razones ajenas al festival. Pero como una buena organización lo puede todo, rápidamente entró al cartel Incantation, una institución del Death Metal. Con casi 20 años en escena, esta agrupación de Pennsylvanya - Estados Unidos, realizó un show con las principales canciones de su discografía las que disfrutaron sus seguidores que seguían al frente de la tarima, mientras otra parte del público se disponía a salir del Ecoparque.
La última sorpresa me la llevé en la fiesta de cierre del festival (una muy buena fiesta por cierto), en donde se presentaron Sativa y Radio Gandsta, participantes del festival el año pasado y Mr. Bleat una agrupación de Medellín que me llamó la atención por su propuesta innovadora y la energía que despedían sus integrantes y en especial su vocalista, que nos puso a bailar a todos.
Y con éxito termino así el festival y Manizales una vez más gritó rock. Es posible que los organizadores superen el éxito obtenido éste año? Creo 100% que la respuesta es afirmativa, pues como todos los años, el maravilloso trabajo en equipo que realiza la organización se nota inmediatamente. El rock en mi ciudad crece cada día y lo mejor es que todos somos parte de esto de una u otra forma.
Nos vemos en Manizales Grita Rock 2010.
Para ver más videos: http://www.myspace.com/manizalesgritarock
Para ver más fotos: http://www.facebook.com/album.php?aid=99474&id=752134684
Disco: Them Crooked Vultures Artista: Them Crooked Vultures Sello: DGC/InterScope Año: 2009
Mucho se ha hablado del término ‘supergrupo’ en el 2009. Si usted no sabe a qué se refiere esta palabra, le presento la mejor definición: “Them Crooked Vultures”. Sí, extraño nombre, pero como dice Sammy Haggard ” Cuando la banda es tan buena y tiene esa nómina, ¿que importa como la llames?” .
Los buitres torcidos vienen de una escuela de pioneros, creadores de sonidos que pasaron a la posteridad. Dave Grohl en la batería (Foo Fighters, Nirvana), John Paul Jones en el bajo y los teclados (Led Zeppelin) y Josh Homme en la guitarra (Queens Of The Stone Age), conforman el supergrupo del año, que debutó internacionalmente en Chicago en el marco del conocido festival Lollapalooza a la media noche del lunes 10 de agosto acompañado por Alain Johannes de Eleven en la guitarra y haciendo algunas voces.
Es difícil describir con detalle lo que este disco puede producir en unos oídos melómanos, solo se puede decir que es un viaje en el espacio-tiempo de la historia del rock and roll. Desde lo progresivo hasta el hard rock.
El primer track del disco es ‘No one loves me, Neither do I’ , que comienza con un beat de batería clásico acompañado de un campaneo al que se sobrepone una certera línea de bajo y el riff de guitarra; comunión perfecta de ejecuciones que posicionan este primer capitulo en un ambiente muy al estilo Zeppelin o Cream. La voz es una mimetización perfecta de un buen pasaje de Morphine. Una explosión guiada por la voz en el minuto 2:44 terminando en un punch de batería pesadísimo -y pasadísimo- recordando la influencia de Bonham en Grohl.
‘Mind eraser, no chaser’ es la muestra perfecta del stoner rock. Y aunque hay un solo de guitarra que quiere seguir su propio rumbo, entra la voz de Josh Homme liderando la conjunción de elementos. Juegos, efectos, alineamientos y desalineamientos entre guitarra y bajo, marcan un ritmo rápido, terminando con un aire circense que hacen de esta canción un posible segundo single, comercial y vanguardista, ideal para ser radiado.
‘New Fang’ fue la canción escogida para regalar como preview a los curiosos y oyentes desprevenidos, que en la primera sesión se convirtieron en fans inmediatos de la banda. Esto ocurrió antes de que los mismos TCV publicaran en su canal de youtube todo su trabajo a una semana del lanzamiento oficial –realizado el 17 de noviembre para USA- dejando a todo el mundo antojado con un video realizado por el director Paul Minor, quién también dirigió videos de Muse y de QOSE.
Un sonido místico con tintes árabes hace de ‘Dead End Friends’ un paseo por diferentes compases y ráfagas de batería con un estilo totalmente Grohl que le abona el camino a los solos de guitarra Homme.
El disco continúa con ‘Elephants’. Este paquidermo llega con su paso lento y pesado y en un abrir y cerrar de ojos toma un rápido ritmo en una muestra de virtuosismo y precisión, yendo y viniendo con una formula casi hipnótica.
John Paul Jones demuestra su versatilidad en ‘Scumb Bag Blues’ haciendo en los teclados algunos pasajes atmosféricos y bases de funk, realizando notorias líneas de bajo.
Punteos básicos pero muy limpios y una voz tranquila le dan a ‘Bandoliers’ el tono perfecto para que las guitarras rítmicas se vuelvan protagonistas.
‘Reptiles’ e ‘Interlude With Ludes’ son canciones que inmediatamente llaman la atención en esta orgía de virtuosismo. Marchas progresivas que suenan a Led Zeppelin, La primera con voces que saltan entre Robert Plant y Scott Weiland. -Si extraño, pero cierto-. Y la segunda con coros que le dan un tinte oscuro y místico, induciendo a un estado psicodélico total.
En ‘Warsaw Or The First Breath You Take After You Give Up’ cuenta con coros, voces y teclados setenteros que recuerdan algunos pasajes de The Beatles o The Doors.
En ‘Caligulove‘ exploran con la mandolina y la percusión, como panderetas y maracas, retomando los teclados con un dejo lejano de Iron Butterfly. Curioso detalle el de la risa de Homme en los últimos segundos de la canción.
‘Gunman‘ es un viaje por la saturación de teclados y efectos en las voces, con marcados efectos en las guitarras y sincronización de instrumentos.
Un piano clásico le da entrada a ‘Spinning in Daffodils‘, al cual se va sobreponiendo la suciedad de la guitarra, insertando elementos experimentales que encajan perfectamente en el sonido que marca este trabajo.
Este disco tiene una producción impecable. Y la invitación es a que lo comprueben jugando con la ecualización de sus reproductores, pues todas las líneas que conforman cada canción son de una calidad que podría rivalizar con las mejores ejecuciones de cada uno de los integrantes del grupo
Estamos ante una obra cúspide que resume el trabajo de estos monstruos de la música. Y lo mejor: este solo es el principio!
Track list:
1. No One Loves Me & Neither Do I
2. Mind Eraser, No Chaser
3. New Fang
4. Dead End Friends
5. Elephants
6. Scumbag Blues
7. Bandoliers
8. Reptiles
9. Interlude with Ludes
10. Warsaw Or The First Breath You Take After You Give Up
11. Caligulove
12. Gunman
13. Spinning in Daffodils
Este es el onceavo trabajo de Jay –Z (o “HOVA”, autodenominado “dios del rap”) y la tercera entrega de Blueprint, saga que maneja como concepto el regreso a lo básico, pero que en este capitulo pierde esa connotación.
En épocas de mediatización masiva y de acceso ilimitado a información con alta inmediatez, es muy difícil sesgarse a un sonido previo que será presentado a los seguidores de un artista; es así como se llega a un disco que trata de salirse de convencionalidades, muy diferente a sus predecesores The Blueprint (2002) y The Blueprint 2 (2003) y que refleja evolución por medio de esa nueva realidad que vive ahora Jay-Z, sentándose sobre su ego y su imperio a modo de trono.
Siempre hay alguna particularidad por la cual uno recuerda una banda o un disco, y en The Blueprint 3, sus productores la dieron, pero a cada canción, invitando a coprotagonizar en cada track a un artista, a la tendencia de este artista y a un instrumento especifico dándole una atmósfera propia a cada corte.
Hova fue a la fija escogiendo a sus productores: Kanye West, Timbaland, Swizz Beatz y The Neptunes, para abarcar todo el espectro comercial; desde el rap y el groove soul, pasando por el electro, el pop y hasta ese sonido southern, que hacen de este trabajo una experiencia algo ecléctica y sin lugar a dudas altamente comercial.
En cuanto a los invitados es buena su participación, aunque solo llega a ser relevante en ciertas escenas donde se les permite imprimir su carácter.
Sobre los instrumentos invitados, es interesante ver como se integran elementos que por separado podrían ser extravagantes, pero que con una buena mezcla dan identidad a cada canción; fórmula que marca la globalización de sonido. No todo es dicha, pues esta fórmula funciona hasta la mitad del disco, momento en el que se vuelve un monótono y se sienten canciones “de relleno”, con un triste final – un cover terrible de la canción ‘Forever Young’ de Alphaville-. Este trabajo podría parecer un acetato, en donde por lo general siempre hay un lado que tiene los “hits” y el otro donde solo se salva una canción, o dos en el mejor de los casos (Es esta la impresión personal que le da título a esta reseña); pero para ampliarles un poco el argumento de este discurso, entro en detalles a continuación acerca de mi percepción de cada track.
La bienvenida al álbum la da “What We Talking About” con la participación de Luke Steele de Empire Of The Sun. Posee una atmósfera glamourosa y samplers de “Spirit” de Frédéric Mercier. Llama la atención la cadencia particular en la voz. Continua con “Thank You” que tiene una entrada explosiva con una cuerda de vientos, la trompeta como instrumento sobresaliente y extractos de “Ele E Ela”, canción del brasilero Marcos Valle.
“D.O.A. (Death Of Autotune)” es un obituario a este sonido clásico en el hip hop, sostenido en el riff de guitarra que se mimetiza con un solo de saxofón increíble de Lamont Caldwell, complementándose en una línea muy sexy. Esto le da base al comentario de Jay-Z en una entrevista previa: “If you want my old shit, buy my old records”. Definitivamente, mi primera canción favorita del disco.
Para “Run This Town” Jay –Z invita a Rihanna y a Kanye West, con un no muy destacado aporte de su talento -pudo ser mejor esta canción-.
“Empire State Of Mind” es el lanzamiento que se realizó en Colombia en pasadas semanas y que posiblemente cerrará como número uno en los listados de radio especializada para el 2009. Cuenta con el piano y la voz de Alicia Keys; es un viaje en carruaje por la gran manzana en el cual Jay-Z nos lleva a ese estado mental llamado New York, queriéndose otorgar el papel del nuevo Sinatra para el hip hop, como se describe en las primeras líneas del corte. Esta es mi segunda y última canción favorita del álbum.
Hasta aquí el lado A.
A partir de este momento comienza un tour por un disco que no entrega más salvo algunas cosas notorias como el soul en “A star is born” en la cual participa J. Cole y en “So Ambitious” con Pharrel; los violines en “Already Home” con Kid Cudi. El toque southern en “On to the next One” con Swizz Beatz; sonidos árabes con Beyoncé desperdiciando su talento en un coro que reza: ‘Daddy go hard…daddy go hard” en la aburridísima “Venus Vrs. Mars” y toques electrónicos en “Off That” con Drake,
Las canciones más malas del álbum: “Reminder”, “Hate” y el perverso cover de ‘Forever Young’ de Alphaville llamado “Young Forever” con el que cierra este monótono lado B del disco.
La recomendación es que, aunque el disco no llegó a Colombia, traten de comprarlo online y saquen sus propias conclusiones. Eso si, no olviden ponerse sus audífonos de alta fidelidad para no perderse detalle alguno.
Track list
1. What We Talking About (featuring Luke Steele of Empire Of The Sun)
2. Thank You
3. D.O.A. (Death Of Auto-Tune)
4. Run This Town (featuring Rihanna and Kanye West)
5. Empire State Of Mind (featuring Alicia Keys)
6. Real As It Gets (featuring Young Jeezy)
7. On To The Next One featuring (Swizz Beatz)
8. Off That (featuring Drake)
9. A Star Is Born (featuring J. Cole)
10. Venus Vs. Mars
11. Already Home (featuring Kid Cudi)
12. Hate (featuring Kanye West)
13. Reminder
Existen dos clases de músicos. Los que estudian incesantemente para alcanzar el nivel de profesionalismo requerido para crear música que le llegue a la gente y los que lo logran de manera natural y fluida, subiendo el estándar de manera normal con su talento. Ese es el caso de Mauricio Leguízamo, guitarrista de Blutsauger (1995), BlueSoul (1999) y TBCB (2001-2009), quien durante su vida musical ha logrado tener un entendimiento de la guitarra único, y como resultado de esa comprensión del instrumento y de la música, ha compuesto canciones memorables, mezclando la armonía y la técnica, creando ambientes particulares en cada entrega, en las que el tema, la melodía y el mensaje están muy bien definidos. Su desarrollo musical empezó como guitarrista. Al no encontrar un vocalista que complementara su visión, decidió asumir este papel por su cuenta. El resultado: es uno de los frontman mas reconocidos en la escena. Su capacidad vocal abarca un espectro sonoro amplio, y se ha permitido experimentar y dominar otros instrumentos como el banjo y la armónica. En vivo, la música fluye de manera tan natural que lo hace ver fácil. Sin embargo, es pionero al atreverse a incluir elementos de la música tradicional norteamericana, y aproximaciones a la guitarra como el uso del slide en un riff principal, frases en sus solos que son casi como una voz, y vibratos interminables que ponen los pelos de punta. Como guitarrista, ha sido influenciado por grandes del rock, el blues, el metal, clásicos y hasta flamencos. Desarrolló su técnica estudiando a genios como Steve Ray Vaughn, Dimebag Darrell, Eric Clapton, Jimmy Hendrix, Zakk Wylde, Jimmy Page o Eddie Van Halen. Es un excelente guitarrista rítmico, pero la velocidad de sus dedos, su nitidez, y el dominio absoluto de técnicas como los bends, el trémolo, chickenpicking y sweepicking, le dan contundencia a sus ejecuciones. Sus solos explotan moviéndose entre escalas de manera casi imperceptible, logrando un sonido muy característico, con el cual firma cada una de sus composiciones. Ganador del premio a mejor guitarrista para la Revista Shock en el 2006 y en los premios Subterránica en el 2008 y ese sonido particular que imprime a The Black Cat Bone, hacen a Mauricio Leguízamo merecedor de un lugar en el listado de los mejores guitarristas del país.
Disco: The Black Cat Bone Grupo: TBCB Sello: TBCB MUSIC Año: 2005
En el 2005, cuando nada parecía cambiar y la parvedad de música nueva, era satisfecha con fusiones y distorsiones de géneros, en medio de este desierto sonoro que definía a nuestro país, aparece como oasis para los oídos rockeros de Colombia el disco The Black Cat Bone, de la banda bogotana TBCB. Con dos meses en los primeros lugares en ventas en Tower Records y reseñado por la revista Rolling Stones como uno de los mejores discos del 2005, llegaba esta entrega del más clásico Hard Rock, Blues, Rock n’ Roll y Heavy Metal con matices de Country, haciendo de este disco, la banda sonora ideal para cualquier momento. Mientras se llevaba a cabo el proceso de producción del disco, se realizó el primer lanzamiento con el single "Here Today, Gone Tomorrow", canción nominada por los medios especializados a mejor vídeo rock y mejor nueva banda en vídeo. El segundo sencillo de la banda "Shout It Out" es lanzado en las emisoras en Junio, y es allí cuando el público comienza a pedir el pronto lanzamiento del disco, vaticinando con esto su éxito. Y fue así como en el mes de septiembre de 2005 se lanzó oficialmente este trabajo, grabado por el sello independiente TBCB MUSIC. Rock puro con una calidad impecable, letras en inglés, y una calidad interpretativa en vivo fuera de lo común, tallaron las canciones de su primer disco en la memoria colectiva de los espectadores. La fuerza con la que entró en la rotación de las emisoras de rock nacional marcó un hito para las agrupaciones colombianas que a partir de allí comienzan a creer que el rock en Colombia se puede hacer con éxito en un idioma extranjero, siendo comercial sin ser necesariamente prefabricado para el marketing. Este disco llegó con un arte gráfico innovador, una portada simple y elegante, excelentes fotos y con presencia de alta gama. Además, innovando en el tema de la compra de música online en el país, pues la preventa se realizó por su página web (www.tbcb.org). A partir de este trabajo TBCB se convierte en una banda de culto del rock nacional, con muchísimos seguidores que hasta el día de hoy los acompañan con el mismo fervor y esperan con ansia el segundo disco de la agrupación, para el cual se acaba de terminar la grabación recientemente y que será lanzado a comienzos del 2010. The Black Cat Bone es un disco de 12 grandiosas canciones, que no pierde vigencia y que seguirá en las colecciones de los afortunados para recordar como un disco que dividió la historia del rock and and roll colombiano en dos.
apellido español / único sentido común entre las participantes
Inferno¹ \In*fer”no, sus.
regiones infernales / infierno
Laura: Diana, ¿cómo se define ‘inferno’?
Diana: (picando cebolla)… póngale ‘hueco de honestidad asesina, nuestras garras…a donde pocos quieren ir, pero todos van a llegar…’.
La crítica no necesita de objetividad para ser válida, puede bastarse de fundamentos acordes a la temática, estilo y tal vez lo más importante en este caso: contra argumentación entre dos cabezas.
Diana Marín, 29 años, geóloga/geofísica, mueve las caderas con Alice in Chains y canta pasionalmente Al Green cuando cocina; Laura Marín, 19 años, fotógrafa, se pone feliz con la voz depresiva de Hot Chip, y pone NIN para lavar los platos.
La melomanía se les mete al tuétano. ¿Brecha generacional? Inmensa, pero no importa. ¿La experiencia? Una tiene las suyas, la otra tiene las otras, y juntas, conforman el MARINFERNO, porque dos mujeres nunca hablan sólo por hablar.
Siéntase voyerista. Lea, sienta, escuche y diviértase.
MARINFERNO ENTREGA #1: Carlos Reyes y la Killer Band.
Fundación Gilberto Alzate Avendaño.Octubre 27 de 2009.
Bogotá.
Escena # 1: Hall Gilberto Alzate Avendaño.
Laura: ¿Y por qué no le dicen Charlie King?
Diana: Así le dicen! O también el Blind…
Diana: Bueno y? Primera impresión?
Laura: Son muy buenos músicos….
Diana: Pero me lo dices como cuando uno habla de un tipo y dice: “él es muy buena gente” por no decir que es feo?
Laura: No. Realmente, son muy buenos músicos.
Escena # 2: Libertador Grand Bar
Laura: Bueno Diani…y ¿qué fue eso?
Diana: Little Marín…mmm…(AL BARTENDER) sí…gracias, dos Glenfiddich doce años por favor (SIGUE CON LAURA), te voy a ser sincera, yo creo que lo que hace Carlos Reyes ahora es tomar el rock, el metal, el blues, el jazz, el swing, la música andina, el rockabilly, el surf, la cumbia y hasta el torbellino… meterla en una olla de barro, echarle papas y hojitas de guasca y que el altiplano boyacense sólo suene a rock n’ roll.
Diana: ¿La voz de Carlos Reyes no te suena aguardientosa como un Tom Waits criollo?
Laura: sí, aunque suene americanoide lo que voy a decir, es como sentirse en On the Road de Kerouac, o en algún episodio borrachín de Hunter S. Thompson.
Diana: Ahh?? No sea geek! Maldita sea! Explíquese!
Laura: imagínate un hombre alto, su sombrero cowboy, viajando en un auto bien destartalado por todo el sur de los Estados Unidos –y el sol así bien picantico-; tarareando canciones clásicas que suenan en una emisora mal sintonizada, fumando marlboro rojo.
¿Ahora sí?
Diana: Jaja! Parce sí! Ahora todo es tan claro!…¿entonces te gustaron el sombrero y las botas?
Laura: pues…sí. Pensándolo bien, ésa sí fue la primera impresión: linda guitarra, bien cuidado el sombrerito, ¿cuántos años tendrán esas botas? Me encantan.
Diana:…sin comentarios.
Laura: Y llegó el momento cálido de la noche con Germán Pinilla..
Diana: Sí señorita…Germán Pinilla y su tren de aire… me siento incapacitada para hablar al respecto, porque en otra circunstancia te dije que “para mí” era el mejor armonicista de Colombia. ¿Qué opinas?
Laura: Tengo que aceptar que de armonicistas sé poco, pero él hizo lo que quería hacer, lo hizo muy bien. Subió cómodo al escenario, La Villa fue placentera, qué arreglos tan complejos, qué manera de hacerlo ver tan simple. Muy humano.
Laura: El baterista, Christian, tiene un buen feeling, pero no lo dejaron lucir.
Diana: En este toque no, pero hay que tener en cuenta que todos los toques en los que yo he estado de esta banda son diferentes, en todos los toques se luce uno diferente…
Laura: Pero sabés que me gustó mucho la forma en la que utilizaba las baquetas… y también como con tanto poder puede llegar a tocar tan suave y lento sin ser aburrido y que le suene bien. Te acordás de lo que hablamos hace unos días, sobre el punch con la muñeca, algo así…
Diana: Sí, es que yo creo que a veces cuando tú conoces muy bien el instrumento, se te abre un mundo de posibilidades, y aún más con la batería; saber cómo sacarle ciertos sonidos, ésos que le saca Bolaños… me encanta cómo explora su instrumento.
Laura: Exploran, eso es. Tienen su chispa experimental, y ésas señales de vida –entrada y salida de instrumentos, voces-, fueron ligeros, pero la interacción entre ellos no pasó nunca por alto.
Diana: Precisamente. Como la sutil mirada entre uno y otro para darle la entrada a un solo, y cómo esa impalpable felicidad cuando tú tienes un bajo acústico (hermoso, por cierto) y y lo ejecutas con la habilidad y la entrega que lo hizo William, sabes que has hecho algo bueno en la vida, que al menos tus últimos años de dedicación no han sido en vano, así como vos y yo, cuando hablamos por hablar, escribimos por escribir y sentimos por sentir.
Laura: Whoooa! Espere, eso está emocionante, y hablando de lo pasado, la historia, ¿por qué no acoplarse al rock and roll en inglés? La voz de Carlos cuando canta en inglés es espesa, gruesa, melancólicamente apropiada para la música que están haciendo, pero en español no me parece flexible, sino un tris forzada…
Diana: Lo de la voz ocurre, creo, es por que Carlos siempre ha tenido esa tendencia anglo, y creo que ésta es la primera vez que hace algo en español. Me imagino que para darle identidad a ese rock n’ roll bogotano.
Y sí, yo hoy me bajé de subjetividades, y sabés que sí? Me encanta, porque es una propuesta muy del rock n’ roll de acá, y están tan parados y son tan buenos músicos, que aunque la voz no sea la mejor, la composición es honesta, más de lo que pensé, sólo por eso uno se enamora. Las letras hasta me ponen a llorar. ¿Qué me dices de “Lo que queda de mí?” aunque también me descompone la versión que le tienen a “Desconfío”. Aunque todo hay que decirlo, no me gustó la canción que suena a punk, y la verdad yo me enamoré de esa escuela Johnny Cash que Carlos Reyes y la Killer Band hacen tan bien. Podría aseverar que el blues y esta onda renació en esta escena por esos intereses particulares de este señor, su banda y su combo…y que ahora estamos viviendo sólo el comienzo de algo grande, como todas las revoluciones que se han dado este año.
Laura: que siempre se han dado, que seguirán dándose. Su versatilidad no se convierte en algo extravagante, miden la amalgama, y es que… ¡es que son tan precisos!
Diana: Hmmm…Pavel (el invitado a la trompeta en el cover de Hell de Squirrel Nut Zipper), es tan bueno. Aunque me gustaría que dejaran de experimentar tanto con los covers que uno quiere escuchar tal cual, y más teniendo en cuenta que en diciembre llegan los dueños de la canción. Menos mal, al final, sonó como esperaba que sonara.
Laura: sí, que se luzcan con sus canciones, no con los covers.
Diana: Bueno…o nos vamos o me quedo empeñada…
Laura: ¿y para dónde vamos? :D
Diana: Para la casa! Excelente noche,
Laura: buenos músicos,
Diana: y el lanzamiento del disco es dentro de poco! Estaré esperando….
